Já imaginou departamentos corporativos e o criativo juntos? Essa união não só é possível como é muito benéfica para os métodos de trabalho. Neste artigo, temos:

• o que é design thinking
• quem inventou o conceito de design thinking
• como o design thinking e a experiência do usuário se encontram
• porque design thinking é conhecido como uma abordagem e não um método
• quais são os 3 pilares do design thinking
• quais são os 5 princípios do design thinking
• qual é o objetivo principal do design thinking
• quais as vantagens do design thinking
• onde o design thinking pode ser usado
• exemplos de aplicação

O que é design thinking?

Segundo os autores Luiz Bonini e Roberto Sbragia, o design thinking é um processo de geração de ideias com foco na resolução de problemas de negócio, em um grupo multidisciplinar e colaborativo.

Apesar de a palavra “design” rapidamente nos remeter às peças gráficas e imagens bonitas, vários especialistas já definiram o termo como um modo de pensar, um esforço criativo.

O professor Herbert A. Simon, por exemplo, escreveu o seguinte na década de 60: “é designer todo aquele que desvia cursos de ação com o objetivo de transformar situações existentes em preferidas”.

É a partir desse ponto de vista que o conceito de design thinking surgiu mais tarde. Trata-se de uma abordagem humanizada, focada em resolver problemas e satisfazer clientes, que têm sido utilizada nos mais diversos segmentos.

Quem inventou esse conceito?

Foi Tim Brown, CEO e sócio da IDEO (Global Design & Inovation Company) — uma das maiores consultorias de design no mundo. Designer por formação, Brown e David Kelley, professor de Stanford e fundador da IDEO, foram responsáveis pela formulação do design thinking.

O conceito ganhou notoriedade quando Tim Brown palestrou sobre o assunto no evento anual do TED em 2009 (video abaixo). Durante o TED “Designers – Pensem Grande”, o CEO afirmou:

“As necessidades humanas são o ponto de partida. A metodologia de design thinking rapidamente passa a aprender criando. Ao invés de pensar no que construir, construir para pensar. Protótipos aceleram o processo de inovação. Porque apenas quando liberamos nossas ideias para o mundo começamos a compreender suas forças e fraquezas. Quanto mais cedo fizermos isso, mais rapidamente nossas ideias vão evoluir”.

Como o design thinking e a experiência do usuário se encontram?

Quando o assunto são os meios digitais — onde as pessoas se conectam a todo momento — é preciso considerar os aspectos que podem gerar uma boa conexão com o público-alvo. Esse cenário é, então, perfeito para que o design thinking e a experiência de usuário se encontrem!

O UX Design — sigla para User Experience Design, ou seja, Design da Experiência do Usuário — tem como foco criar layouts que priorizem o bem-estar do público-alvo, tornando sites, blogs e sistemas mais agradáveis para os usuários.

Essa preocupação é essencial para empresas que desejam conquistar e engajar mais pessoas às suas marcas.

Por que é conhecido como uma abordagem e não um método?

O design thinking é uma abordagem e não um método porque, apesar de conter etapas, é adaptável a cada empresa e, mais particularmente ainda, a cada projeto. Pode ser utilizado para solucionar questões diferentes e de ramos de atuação distintos, e não tem regras a serem seguidas, apenas boas práticas flexíveis.

É como se fosse a união entre mindset e plano de ação. Ou seja, o repertório criativo e visual se combinam para resolver problemas desde a criação de sites e aplicativos até o desenvolvimento de campanhas digitais ou novos produtos/serviços da marca.

O objetivo dessa abordagem é alcançar o objetivo final sem deixar a criatividade e a empatia de lado. Ou seja, a sensibilidade é o ponto de encontro, o match entre essas estratégias digitais.

Quais são os 3 pilares do design thinking?

O design thinking está ancorado em três pilares principais. São eles:

1. Empatia: consiste em olhar para o problema com os olhos de quem o está vivenciando. No caso de um projeto, significa se colocar no lugar do público
2. Colaboração: a abordagem também considera a união de profissionais de diferentes áreas para gerar as melhores ideias
3. Experimentação: o design thinking não é algo teórico, mas prático. Por isso, ele inclui uma fase de testes, para verificar o que foi pensado anteriormente

Quais são os 5 princípios do Design Thinking?

O design thinking parece meio abstrato. Por isso, muitas pessoas ficam na dúvida quanto à aplicação prática dessa abordagem. Mas ao seguir algumas etapas fica mais fácil entender o conceito e ver seus resultados. Confira as cinco fases:

1. Empatia

Lembra que falamos da empatia? Ela é a primeira etapa e é uma das mais importantes, pois é onde você se coloca no lugar do seu público-alvo. Pesquise tudo sobre ele, quais seus interesses e suas prioridades em relação ao projeto que você está criando.

Neste momento, traçar um mapa da empatia pode ser de grande ajuda. Assim, você entenderá não só o perfil da persona como outras informações mais aprofundadas, a exemplo das dores, dificuldades e expectativas.

Dados como esses ajudam você a entender como se conectar ao público com mais facilidade, encontrando as soluções mais adequadas sem cometer equívocos.

2. Definição

Com base nas informações adquiridas na fase da empatia, é preciso definir qual o problema principal a ser resolvido, bem como os secundários. Na fase da definição, considere as dores da persona para elencar prioridades e saber com quais questões lidar de agora em diante.

3. Ideação

Agora que você já sabe quais problemas resolver e quais os motivos por trás de cada um deles, chegou a hora de pensar nas soluções. A fase de ideação nada mais é do que o momento de brainstorming, em que a equipe se une para encontrar o melhor caminho a seguir.

Como ainda não é a etapa prática, as ideias podem surgir a todo vapor. Este é o momento de liberar a criatividade, sem medo de errar.

4. Prototipação

É a fase em que as ideias passam a tomar forma e ganham vida.

Por exemplo: uma landing page (página para captação de leads), antes de ficar 100% pronta, passa pela etapa de wireframe (uma espécie de “rascunho”) e depois pela fase de MVP (Minimum Viable Product ou Menor Produto Viável).

Nesse formato, a página é criada apenas com os atributos essenciais para seu funcionamento. Porém, ainda não é sua versão final. Ela pode passar por melhorias.

5. Testes

Aqui os protótipos são colocados à prova para que você encontre todas as lacunas abertas e saiba exatamente o que melhorar. A ideia nessa fase é tornar a interação da pessoa completamente intuitiva, gerando mais conversões.

Qual é o objetivo principal do Design Thinking?

O design thinking tem como uma de suas colunas principais a experiência do usuário. Portanto, o cliente estará sempre em primeiro lugar — sendo um dos principais motivos para utilizar a abordagem. Lembre-se: um usuário satisfeito está cada vez mais próximo de finalizar a conversão.

Quais as vantagens do Design Thinking?

Existem vários exercícios, dinâmicas e ferramentas que podem ser usadas no design thinking para encontrar soluções inovadoras em projetos. As principais são:

• mapa da empatia
• mapa mental
• brainstorm
• pesquisa
• prototipagem
• storyboard
• encenação
• mural de ideias

Onde o Design Thinking pode ser usado?

Talvez você esteja se perguntando se esse tipo de abordagem é indicado apenas para as grandes empresas. Mas a boa notícia é que todas as corporações, independentemente do porte e do nicho de atuação, podem utilizar o design thinking para aumentar a assertividade dos seus projetos.

Exemplos de aplicação

O design thinking é uma ótima opção para trazer inovação aos negócios e estimular a criatividade dos colaboradores. Ele permite que você tenha uma boa vantagem competitiva em relação às outras empresas do mesmo setor.

Veja abaixo algumas situações comuns, nas quais podemos aplicar o design thinking:

Conteúdos: Aplicar o design thinking na produção de conteúdo nos ajuda a entender melhor quem é o público-alvo, como ele tem se comportado, quais as mídias que ele consome, a sua linguagem e seu entendimento sobre determinado assunto. Com isso em mente, é possível produzir um conteúdo mais interativo, visual e funcional para o público.

Branding: Ter uma marca relevante e fazer um bom branding tem tudo a ver com design thinking. É preciso entender quem são as pessoas que interagem com a marca e têm potencial para se tornarem embaixadoras da empresa, antes de criar boas experiências para elas.

E se o seu objetivo é se posicionar no mercado, essa ferramenta se faz ainda mais necessária para entender como as outras pessoas enxergam sua marca.

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Fonte (adaptado):
agenciamestre.com

Para isso, é necessário ter um planejamento estratégico definido, contratar o time ideal para trabalhar no grande dia, e pensar em como desenvolver um layout de stand poderoso. Afinal, o stand precisa transmitir a personalidade da sua empresa com clareza, sofisticação e elegância.

Vamos às dicas!

1. Considere o evento

O ponto de partida é considerar o evento na sua totalidade. Avalie a infraestrutura, quem são os concorrentes, o perfil do público-alvo, a planta, os fornecedores e outros aspectos que sejam relevantes.

Essa análise é importante para você estabelecer os objetivos a serem alcançados e, é claro, dar uma boa espiada em eventos passados da concorrência. Afinal, a ideia é que o seu stand fique muito mais atrativo, concorda?

2. Pense na experiência das pessoas

Ao pensarmos em um layout de stand, também devemos focar em proporcionar uma ótima experiência a todas as pessoas. Ou seja, mais do que ter um espaço lindo e atrativo por fora, é importante investir no conforto e no bem-estar dos participantes, aqueles que resolveram passar para conhecer a sua marca.

Uma dica interessante é sempre ter estratégias inteligentes e criativas para chamar a atenção. Por exemplo:

• lançamento de um produto exclusivo
• realidade virtual ou aumentada
• cabines fotográficas
• totens interativos

3. Crie uma identidade visual marcante

A identidade visual do seu stand precisa estar diretamente relacionada com as estratégias da sua marca. Então, utilize as mesmas cores e a mesma simbologia e tipografia de todos os materiais da sua empresa (redes sociais, site, blog, flyers, catálogos etc.).

Criar uma identidade visual de impacto é fundamental para fortalecer a sua marca na mente do consumidor, uma vez que ela é o primeiro contato que o público tem com a sua empresa. Logo, não poupe esforços nessa tarefa!

4. Foque na cenografia

A cenografia pode ser responsável por atrair (ou afastar) os seus clientes. Sendo assim, não pense duas vezes antes de buscar uma empresa especializada para criar um ambiente perfeito para os seus visitantes.

O layout deve ser limpo, organizado e estratégico. Também faz diferença caprichar na iluminação, pois ela é essencial para direcionar a atenção dos clientes — você pode usar as luzes para destacar os pontos mais importantes do seu stand.

Ah, jamais deixe itens de funcionários, bolsas e outros acessórios expostos no local, está bem? Objetos pessoais à mostra dão um aspecto pouco profissional ao ambiente.

5. Misture tons de cores com cautela

Tenha cautela ao misturar tons de cores no seu stand. Como explicamos, é melhor trabalhar com a identidade visual que habitualmente você usa no dia a dia da sua empresa.

Claro que, contando com profissionais qualificados, é possível incorporar novas paletas de cores para atrair o público para o seu stand. No entanto, é imprescindível que todo o layout tenha relação direta com os serviços e produtos que a sua marca oferece.

Tendo em vista que as cores são interpretadas de maneiras diferentes e causam emoções e sensações distintas, não exagere nas saturações. Em muitos casos, “menos é mais” — máxima que se aplica à criação de layout de stand.

6. Faça uma decoração impecável

Uma boa decoração serve para mostrar ao público como você apresenta os seus produtos e serviços de um modo geral. Além disso, trata-se de um dos principais pontos que levam o cliente a pensar: “vou entrar nesse stand para conhecer essa marca!”. Portanto, invista em materiais de qualidade como:

• totens publicitários
• painel de tecido iluminado
• banners
• vitrines interessantes
• displays interativos

Lembre-se de que a decoração é um excelente recurso para destacar o seu produto. Nesse cenário, vale ressaltar que toda a apresentação visual importa: os folders, os brindes e até mesmo o uniforme da sua equipe precisam estar sintonizados para expor ao público a melhor imagem da sua marca.

7. Tenha sempre um diferencial competitivo

Pense bem: por que o cliente deve entrar no seu stand e não no da concorrência? O que você faz de diferente para se destacar? Se você fosse um cliente comum, entraria no seu stand?

Leve em conta que os seus principais concorrentes estarão lado a lado, então é fundamental pensar fora da caixa para conquistar o interesse do consumidor.

Além de presentear com brindes básicos, servir “comes e bebes” e pensar na experiência das pessoas, procure executar estratégias a mais para que o cliente fique curioso em conhecer melhor a sua empresa. Aqui, vale sortear brindes mais caros e até contratar personalidades (ou outras atrações interessantes) para movimentar o seu stand.

O mais importante é apostar em algo que a concorrência não tenha, que seja inovador e garanta mais visitas ao seu stand. Mas, atenção: todas as ações devem ser criadas em conjunto com o planejamento estratégico do seu evento, a fim de alinhá-las aos objetivos da sua marca. Afinal, de nada adianta inovar demais e não ter retorno algum.

Contar com um layout de stand atrativo é essencial para sair na frente da concorrência e proporcionar uma experiência única ao público. Ao contrário, se você não se preocupar com esse fator, provavelmente a sua marca passará despercebida e perderá ótimas oportunidades de negócio.

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Fonte (adaptado):
grupodeeventos.com.br

Resumidamente a teoria das cores se refere às diretrizes práticas de mistura de cores permitindo combinações harmoniosas e visualmente atraentes.

Por que você deve se preocupar com a teoria das cores?

A teoria das cores é uma mistura de ciência, psicologia e emoção – tornando a cor um aspecto incrivelmente poderoso do design.

Isaac Newton, no século XVII, começou com uma roda de cores baseada em como a luz refletia um espectro de cores. A teoria das cores e a roda de cores continuaram a evoluir, nos ensinando mais sobre a ciência por trás do porquê de certas cores se complementarem.

Com o tempo, a psicologia das cores também influenciou o design. Uma combinação de elementos culturais, históricos e emocionais pode determinar como os humanos se sentem quando veem cores diferentes. Vamos conhecer os conceitos básicos:

Cores primárias (padrão CMYK)

As cores primárias formam a base para todos os outros tons. Os humanos percebem três cores básicas: magenta, ciano e amarelo. Todas as outras cores que vemos consistem em uma combinação dessas três cores em quantidades variadas, brilhos, matizes e tons.

Aqui temos uma polêmica: tradicionalmente, considerávamos vermelho, azul e amarelo como as cores primárias, mas pesquisas mostraram que magenta, ciano e amarelo descrevem melhor nossa experiência com cores.

A imagem acima mostra as cores Ciano, Magenta, Amarelo e Preto (CMYK, em inglês) e é utilizada para produção de materiais impressos. Sua proposta é reproduzir, da maneira mais fiel possível, a maioria das cores do espectro visível e é por isso que é o esquema oficial do universo gráfico.

RGB e hexadecimal

Na web, usamos valores RGB (Red, Green, Blue) e hexadecimais para representar cores.

O sistema de cores RGB define todas as cores como uma combinação de três valores diferentes: um determinado tom de vermelho, outro de verde e outro de azul. Então:

• RGB (59, 89, 145) é igual ao azul do Facebook
• RGB (0, 0, 0) é igual a preto
• RGB (255, 255, 255) é igual a branco

O sistema de cores hexadecimais converte cada valor em uma representação hexadecimal (base 16), assim:

• #3b599b é igual ao azul do Facebook
• #000000 é igual a preto
• #ffffff é igual a branco

Cada dois caracteres representa um valor de cor, portanto, para o azul do Facebook, o tom vermelho é 3b, o verde é 59 e o 9b é azul.

Quente e frio

As cores têm temperatura e podem ser classificadas em quentes ou frias.

As cores quentes contêm maiores quantidades de vermelhos e amarelos. Elas podem invocar uma sensação de calor e paixão em um trabalho, como também podem passar agressividade e ousadia ​​– é por isso que o vermelho é frequentemente usado em mensagens de erro.

As cores frias contêm maiores quantidades de azul, representando climas frios, gelo, inverno, água, noite, morte e tristeza. Elas podem carregar conotações de solidão, frieza e medo. No lado mais positivo, as cores frias são menos agressivas e podem ser calmantes – pense em um céu azul ou águas azuis tranquilas em uma praia.

Luz e sombra

Variações de luz e sombra permitem que você crie esquemas de cores monocromáticos adicionando níveis de branco e preto a uma cor base.

Por exemplo, se sua cor base for #8dbdd8 (um azul claro) como visto na imagem abaixo, você pode criar um esquema monocromático escolhendo dois tons mais claros (à direita) e dois tons mais escuros (à esquerda).

Saturação

A saturação descreve a intensidade de uma cor. Aumentar a saturação torna a cor mais rica e escura, enquanto a redução da saturação faz com que pareça desbotada e mais clara. Quando dizemos “vermelho claro” ou “vermelho escuro”, estamos descrevendo mudanças na saturação.

A roda das cores

Cada fatia da roda representa uma família de cores que podem ser alcançadas com diferentes misturas de cores. Existem algumas fórmulas que são consideradas mais “seguras”, pois criam um efeito mais harmônico sem precisar de muito conhecimento. Veja abaixo:

1. Monocromático

Um esquema de cores monocromático consiste em vários tons, matizes e saturações de uma única cor base. Eles são muito coesos, mas correm o risco de se tornarem monótonos.

2. Complementar

Esquemas de cores complementares são baseados em duas cores de lados opostos da roda de cores. Como os dois tons serão muito diferentes, esse esquema pode ser bem impactante e perceptível.

3. Análogo

Esquemas de cores análogos apresentam cores que ficam próximas na roda de cores. Devido às semelhanças tonais, esses esquemas podem criar uma sensação muito coesa e unificada, sem a monotonia de um esquema monocromático.

4. Triádico

Para fazer um esquema de cores triádico, desenhe um triângulo equilátero na roda de cores e selecione as três cores nos pontos do triângulo. Essa tríade cria um esquema diversificado, porém equilibrado.

Criação e inspiração de paleta de cores

Há muitas ferramentas de seleção de cores e geradores de paletas que podem dar bastante inspiração. Ferramentas como Colordot permitem que você comece com uma cor principal ou algumas opções de cores e depois crie um esquema para você. Por outro lado, ferramentas como Coolors criam paletas com base no tipo de esquema de cores que você deseja. Eu costumo usar o Color Adobe.

O bom uso das cores pode evocar emoções e estabelecer a identidade da marca. Pense em marcas que você poderia reconhecer apenas pela cor como Coca-Cola, Starbucks, Facebook e Mcdonalds ou naquelas que usam composições como Microsoft, Google e Shell. Tudo vai depender do tipo de mensagem que você deseja passar.

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Fontes:
webflow.com e promtec.com.br

Foto principal:
Adhemas

Nenhum e-mail com instruções, telefonemas demorados, conversas no Whatsapp ou reuniões pessoais podem substituir um briefing de criação.

Mas o que é um briefing?

De acordo com o Dicionário Oxford temos: “Ato de dar informações e instruções concisas e objetivas sobre missão ou tarefa a ser executada (p.ex., uma operação militar, um trabalho publicitário ou jornalístico)”.

Dessa forma, o briefing criativo não é um manual do usuário que descreve o processo criativo como tal. Também não é uma descrição do resultado desejado. Um briefing criativo é uma estrutura que pode ajudar o processo criativo, fornecendo orientação para permanecer no caminho certo e permitindo liberdade suficiente para a criatividade.

Por que precisamos de um briefing de criação?

Precisamos de briefings quando temos um problema que outra pessoa irá resolver. Simples assim! É a maneira mais prática de transmitir todas as informações a outra pessoa num só documento.

Como é um briefing de criação?

É um documento (no meu caso, envio um DOC com algumas perguntas para o cliente) que descreve as metas, objetivos e marcos de um projeto de design. É parte crucial do projeto de design, pois ajuda a desenvolver a confiança e o entendimento entre o cliente e o designer.

É tão importante quanto um contrato e serve como um ponto de referência essencial para ambas as partes. Isso garante que importantes questões de design sejam consideradas e discutidas antes do trabalho começar.

Para mantê-lo curto e simples, existem alguns elementos que não podem ser deixados de fora. Separei 5 tópicos:

1. Descrição do projeto

Uma breve descrição do que precisamos fazer: O que sabemos sobre a tarefa? O que é esperado? Um novo design? Uma nova ideia? Um site existente para redesenhar? Um novo logotipo? Que problema precisamos resolver com isso?

2. Escopo do projeto

Aqui serão fornecidos mais detalhes, dependendo do tamanho do projeto. O que se espera, quantas páginas, quais funcionalidades teremos… É fundamental ser o mais específico possível.

3. Objetivos

Os objetivos variam bastante.

Pode ser uma meta mensurável fornecida pelo cliente, por exemplo: um KPI (Indicador Chave de Desempenho) de aumento de vendas ou participação de mercado.

Pode ser um ajuste ou mudança de conceito relacionado a um produto/serviço, por exemplo: aumentar a conscientização do público-alvo.

Pode ser ainda um objetivo direto de comunicação: aumentar o número de cadastros ou downloads de um aplicativo, entre muitos outros.

4. Público-alvo

Para quem é este produto? Quem vai usar, quando e por quê? Deve ser o mais específico possível, já que designers trabalham com personas em mente.

5. Estilo geral e aparência

O briefing deve incluir algumas referências e preferências pessoais: cores que podem ou não fazer parte do projeto, links de sites ou logotipos interessantes, incluindo as razões dessas escolhas. É uma forma rápida (e gráfica!) do cliente demonstrar quais as suas expectativas. Isso economiza tempo e evita retrabalho.

Conclusão

Com base nessas informações, é possível gerar um orçamento preciso e um prazo de desenvolvimento do projeto adequado e realista. Além disso, um bom briefing de criação evita muito tempo gasto com e-mails, ligações e reuniões improdutivas.

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Fonte (adaptado):
bettermarketing.pub

O documentário, baseado no livro de mesmo nome, aborda a ideia de originalidade como um processo que pode ser desenvolvido por qualquer pessoa. Ou seja, a criatividade pode ser alcançada através de métodos específicos e bem definidos.

Segundo os estudos de Eagleman, criar algo desafiador, transpor limites e não ter medo de errar são ingredientes básicos para chegar lá! O neurocientista explica os caminhos da criatividade na arte, na ciência e na tecnologia por meio de interessantes estudos de casos.

O doc tem participações do ator Tim Robbins (com uma ótima abordagem sobre a criatividade na recuperação de presidiários), do músico Nick Cave e do produtor D.B. Weiss, co-criador da série Game of Thrones, da HBO, entre outros.

Confira o trailer:

Acompanhar o trabalho de outros profissionais ajuda muito no desenvolvimento do nosso próprio estilo. Mesmo que o trabalho for diferente do seu, de alguma forma você vai incorporar boas ideias, aprender novos métodos de criação e principalmente ampliar o conhecimento artístico.

Separei 10 perfis de designers, ilustradores e animadores no Instagram. Muitos postam o dia-a-dia de trabalho, os projetos em andamento, tutoriais e indicações de outros artistas em seus stories.

1. CranioDsgn (ilustração)

2. Daniel Melim (arte)

3. Guasca Studio (lettering)

4. Pina (arte)

5. Ken Taylor (ilustração)

6. James Martin (design)

7. Thorsten Hasenkamm (ilustração)

8. Loish (ilustração)

9. Laika (studio)

10. We love Webdesign (comunidade)

Inspirada em várias pinturas que Van Gogh fez ao longo de oito anos, a animação mostra locais e personagens recorrentes de sua obra para construir uma investigação que, além de contar a história do pintor, esmiuça o mistério sobre sua morte. Teria sido mesmo suicídio ou alguém seria o responsável?

Cada um dos 65.000 quadros do filme (frames), é uma pintura a óleo sobre tela, usando a mesma técnica de Van Gogh, tudo feito por uma equipe de 125 pintores. É incrível ver suas obras fazendo parte da animação!

Confira o making of do filme:

Os mitos e verdades sobre a proporção áurea

A proporção áurea vem encantando pessoas ao longo de séculos. Dizem que ela pode ser encontrada na natureza, na arquitetura, em pinturas de Leonardo da Vinci e até no corpo humano. Infelizmente, boa parte do mito que rodeia a divina proporção foi bastante exagerado.

Alguns estudiosos – como o matemático Keith Devlin, o físico Donald E. Simanek e o astrofísico Mario Livio – vêm tentando por muitos anos desmistificar a proporção áurea. Por exemplo, Devlin nota que diversos exemplos populares – o Partenon, as pirâmides egípcias, a Mona Lisa – na verdade não se encaixam na proporção áurea. O que há de real na divina proporção? Vamos conferir.

Um pouco de história

Antes de tudo: o que é a proporção áurea? Ela surge quando você divide uma linha em dois pedaços (A e B), de forma que a razão entre eles (A/B) é igual à razão entre a linha inteira e o pedaço maior ((A+B)/A). Isto é aproximadamente igual a 1,618.

Ela é representada pela letra grega phi (φ), e foi descoberta pelo matemático Euclides há 2.300 anos, na Grécia Antiga – mas só ganhou o nome “divina proporção” muitos séculos depois.

Na verdade, esse nome surgiu a partir de uma confusão: em 1509, Luca Pacioli escreveu o livro De Divina Proportione, no qual ele analisava essa proporção. Pacioli não acreditava que ela deveria ser aplicada à arte nem à arquitetura: em vez disso, ele defendia o sistema vitruviano de proporções racionais.

Mas, em 1799, começaram a dizer que Pacioli havia criado uma teoria da estética baseada na proporção áurea. Para aumentar a confusão, o livro foi ilustrado por seu amigo, Leonardo da Vinci. Daí a dizer que da Vinci usou a tal proporção em suas pinturas, como a Mona Lisa, foi um pulo.

O número ganhou ainda mais popularidade por causa de Adolf Zeising, um psicólogo alemão que via a razão áurea em “todas as estruturas, formas e proporções”. Ele dizia que a distância entre o umbigo e os pés sempre se encaixa na proporção áurea – ou seja, seria muito próximo a 1,6.

As teorias de Zeising se tornaram terrivelmente populares no século XIX, e repercutem até hoje – mesmo não estando certas. O matemático Keith Devlin Fast Company: “ao medir algo tão complexo como o corpo humano, é fácil chegar a exemplos de razões que chegam muito perto de 1,6”.

Claro, nem tudo sobre a proporção áurea é “uma lenda urbana, um mito”, como diz erroneamente a Fast Company. Vamos separar o joio do trigo, e ver onde a proporção áurea realmente se aplica – e onde usá-la é forçar a barra.

Onde existe a proporção áurea

A proporção áurea não é uma “mentira”. Ela aparece bastante na ciência e na natureza, em diferentes formas.

Uma delas é a espiral áurea, que cresce de acordo com a razão φ. É possível se aproximar dela dividindo-se os lados de um retângulo em proporções áureas e ligando os pontos com um compasso.

Na imagem acima, a linha vermelha é a espiral áurea; a linha verde é a aproximação feita com quartos de cirncunferência; a linha amarela é a sobreposição entre as duas.

Ela também está relacionada à importante sequência de Fibonacci: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144, 233… Ela é formada pela soma dos dois números anteriores: 1+1=2, 1+2=3, 2+3=5, e assim por diante. Ao dividir um número pelo outro, você se aproxima continuamente da proporção áurea.

É possível encontrar exemplos da espiral áurea e da sequência de Fibonacci na natureza. Como explica a revista Nautilus:

“Por exemplo, indícios da proporção áurea foram detectados no nível quântico, onde átomos magnéticos ligados entre si parecem vibrar em frequências descritas por φ. Na escala macroscópica, a sequência de Fibonacci e a proporção áurea descrevem as disposições naturais de sementes e folhas em muitas plantas. Se você examinar a embalagem de sementes na cabeça de um girassol, há uma série de espirais no sentido horário e anti-horário, que geralmente aparecem em números de Fibonacci sucessivos.”

O matemático Revlin explica que, no caso do girassol, “a natureza quer colocar o máximo de sementes possível, e a maneira de fazer isso é adicionar novas sementes numa forma em espiral”. Vale notar que girassóis nem sempre obedecem à sequência de Fibonacci.

Revlin também nota que a razão áurea também está relacionada ao pentagrama (estrela de cinco pontas), a certas estruturas cristalinas e a fractais.

A proporção áurea também era usada como um guia na obra de artistas como Salvador Dalí e de arquitetos como Le Corbusier.

Acima, A Última Ceia (1955), por Salvador Dalí, com linhas inseridas pelo programa PhiMatrix

Onde não existe a proporção áurea

A proporção áurea não está presente em todos os lugares da natureza, nem da arte. No entanto, é muito fácil enxergar padrões onde eles não existem. Revlin explica:

“A questão aqui não é se você pode encontrar a proporção áurea em algum lugar. Se você olhar o bastante, você será capaz de encontrar qualquer número (razoável) em quase qualquer lugar… Faça a pergunta: existe uma boa explicação científica para mostrar por que a razão áurea aparece? Há provas definitivas de que, por exemplo, um determinado artista fez uso deliberado da proporção áurea em seu trabalho? Se não, tudo que você tem é uma crença sem fundamento.”

1. Em obras históricas

Há quem diga que a fachada do Partenon, templo construído na Grécia Antiga para louvar a deusa Atena, foi feito com base na proporção áurea. No entanto, ele foi construído em 447 a.C., mais de um século antes que Euclides descobrisse a razão áurea. Como o arquiteto Fídias usaria esse número sem conhecê-lo?

Além disso, as medidas da fachada não se encaixam na proporção áurea. Isso só funciona quando você “força a barra” e inclui no retângulo parte dos degraus:

Também existe a crença de que Leonardo da Vinci usou a proporção áurea em suas obras. Por exemplo, dizem que o Homem Vitruviano se encaixa na razão áurea, por ter a proporção perfeita entre altura e largura – mas as medidas não batem. Como explica o físico Donald E. Simanek:

“A relação umbigo/altura na imagem é 0,604, um pouco menor do que 1/φ = 0,618. Da Vinci escreveu um texto que acompanha a imagem, mas ele não diz nada sobre essa relação, nem sobre a distância do umbigo até os pés. O texto não contém nenhuma menção de φ. Não há nenhuma sugestão na imagem de que Leonardo estava fazendo algo mais profundo do que relacionar o homem a um círculo e um quadrado. Na verdade, parece que Leonardo forçou as proporções do homem para se encaixar nessas figuras geométricas. Se Leonardo quisesse incorporar φ na imagem, ele poderia facilmente ter movido um pouco a posição do umbigo. O fato de que ele não fez isso nos diz que ele não tinha qualquer razão para fazer isso. O retângulo áureo e a linha do umbigo. Eles não se encaixam.”

A Mona Lisa também é “vítima” das linhas áureas. Basicamente, você pode inserir um retângulo áureo arbitrário na cara da Gioconda, e ele vai se encaixar… de alguma forma. Eis alguns exemplos:

2. Na natureza

Outro exemplo – desta vez menos polêmico – é a concha do náutilo, um molusco que vive no Oceano Pacífico. Ela tem formato de espiral, mas não obedece nem de longe a proporção áurea:

Esse formato corresponde ao de uma espiral logarítmica, que permite à concha crescer sem mudar de forma. Para fazer isso, ela não precisa obedecer a razão áurea.

Também é possível encontrar espirais logarítmicas em galáxias, só que elas geralmente não se encaixam na proporção áurea:

3. Até na Apple!

Tentaram até relacionar a espiral áurea com o logotipo da Apple (socorro). O designer brasileiro Thiago Barcelos elaborou a imagem abaixo, que parece mostrar como a sequência de Fibonacci se encaixa na maçã:

Só que essa não é a maçã real da Apple. O logotipo de verdade não se encaixa numa espiral áurea:

Por que vemos a proporção áurea onde ela não existe

A razão áurea pode ser, sim, encontrada na natureza e na arte. No entanto, há quem faça um esforço tremendo para visualizá-la onde ela não existe. E talvez essas pessoas nem acreditem que a divina proporção é menos comum do que elas imaginam!

Por que isso acontece? O matemático George Markowsky, em seu artigo “Equívocos sobre a Razão Áurea” de 1992, explica:

“Se você se dispõe a medir uma estrutura complicada como uma pirâmide egípcia, você terá rapidamente na mão uma grande abundância de comprimentos para brincar. Se você tiver paciência suficiente para fazer malabarismos com esses números, você certamente obterá muitos valores que coincidem com importantes datas históricas ou números nas ciências. Como você não está limitado por nenhuma regra, seria estranho se a “verdade” da razão áurea não se encaixasse com sucesso considerável.”

Ou seja, quando você se dispõe a analisar algo complexo – como o rosto humano, ou enormes obras de arquitetura – é muito fácil encontrar medidas e proporções que se encaixem com algo que você procura, como a razão áurea.

E por que as pessoas fazem isso? Há um motivo mais profundo, como explica a revista Nautilus:

“Basicamente, quanto mais fácil for o entendimento de uma situação (por ser matematicamente simples, por termos visto muitas vezes antes, por ser simétrico, etc.), mais provável é que pareça certo… E talvez, como a razão áurea tem se revelado interessante em certos aspectos, e é fácil de entender, as pessoas saltam naturalmente à conclusão de que ela também deve ser usada em outros casos nos quais a proporção simplesmente não é encontrada.”

É muito gratificante descrever a natureza através de simetrias, razões e medidas unificadas. Isso nos dá uma sensação de controle, e faz parecer que o mundo à nossa volta pode ser melhor compreendido.

Infelizmente, isso nem sempre é verdade, mesmo que nossa mente esteja determinada a encontrar padrões onde eles não existem. No fim, é uma diferença entre matemática e numerologia: algo que parece impressionante à primeira vista, mas que desmorona sob um olhar mais atento.

Nem tudo que reluz é ouro – nem mesmo a proporção áurea.

Fonte (adaptado):
Gizmodo

Mas claro, vale a regra de ouro da criação: o melhor jeito de quebrar uma regra é conhecendo-a e entendendo-a a fundo.

Fonte (adaptado):
updateordie.com

Ben Burns, designer premiado, estrategista de marca e especialista em user experience do Maker Division, traz algumas definições básicas que ajudam na compreensão dessa expressão que anda tão na moda!

Há muitas definições para UX. Uma que gosto bastante diz que, se o serviço for útil, fácil de usar e prazeroso para o usuário, teremos alcançado nosso objetivo. That’s it!

Vale lembrar que UX e UI são coisas bem diferentes! Inclusive já falei disso aqui no blog. Clique aqui pra dar uma olhada.